Magdelene Odundo et Lawson Oyekan,deux céramistes anglo-africains

Magdelene Odundo et Lawson Oyekan, deux céramistes anglo-africains d'exception

Magdelene Odundo et Lawson Oyekan sont deux artistes contemporains majeurs.Ils ont exposé en 2010 chez Hélène Aziza. Je les avais rencontrés et interviewés. J'ai gardé de cette rencontre le souvenir d'un moment exceptionnel. J'avais rédigé cet article qui n'a jamais été publié. Je le communique tel qu'il fut conçu à l'époque     

Est-ce un  grand vase, une statue ou  un totem?  Autant que la dimension, celle d’un petit homme, c’est la couleur qui attire, un ocre lumineux que caresse la lumière. C’est un objet creux d’une grande sobriété d’un mètre de haut et de trente centimètres de diamètre. Le doute n’est pas permis c’est  une terre cuite. Minimale? Non, plutôt essentielle. L’évocation du corps humain est palpable. La matière lisse et douce est comme une peau qui attend la main. Et  l’orangé est familier et  naturel comme la vie. La colonne n’est pas tout à fait cylindrique. De façon lente et nuancée, la verticale s’élargit vers le bas et s’évase au sommet. Trois petits picots marquent le milieu du corps. Deux minuscules anneaux amorcent l’ouverture du vase comme les oreilles encadrent la tête.  C’est une œuvre de Magdalene Odundo.

Est-ce un vieux bidon ou  une grande jarre ? C’est à la fois une masse et un volume,  sombre mais vibrant, brillant et criant. C’est un contenant d’environ un mètre de haut de plus de cinquante centimètres de diamètre. Une sculpture qui a gardé le creux des objets en terre cuite. La puissance de la matière lui confère une présence explosive. Les parois sont épaisses et  déformées. Des arêtes la sculptent et captent la lumière. Tout son  volume est percé de trous, en tout sens, d’environ un centimètre, qui ont gardé en relief la terre arrachée. Il s’en dégage tous les cabossages de la vie, toutes les blessures humaines, toutes les humeurs accumulées dans les tripes. C’est une œuvre de Lawson Oyekan.

Hélène Aziza a offert à  ces deux céramistes anglais d’origine africaine  le cadre qu’ils méritaient en les accueillant avec générosité et affection dans son vaste espace contemporain du 19 rue Paul Fort. Ce fut une occasion exceptionnelle pour les parisiens, ou les français de passage à Paris, qui ont su s’y rendre, de découvrir ces deux artistes majeurs de la céramique contemporaine. Deux artistes majeurs que Paris semble ignorer. Cette ignorance montre le chemin que la place parisienne doit parcourir pour s’ouvrir à la création étrangère.

A première vue, l’esthétique est très différente, l’une dépouillée, l’autre massive. Pourtant ces deux artistes partagent beaucoup de  points communs. Tous les deux sont d’origine africaine. Tous deux sont des céramistes sculpteurs de la terre. Ils ont gardé la référence  au contenant mais leurs créations ne sont pas utilitaires. Leurs formes sont anthropomorphes. Leur inspiration vient du monde des émotions humaines.

Magdelene Odundo est née en 1951 au Kénya. Elle est venue en Angleterre en 1971 poursuivre des études sur le  commerce de l’art et le design, d’abord  au Cambridge College of Art, puis au West of  Surrey College of Art and Design. Magdelene est  reconnaissante à ses professeurs d’avoir placé l’éducation artistique dans  l’histoire des grandes civilisations,  chinoise ou précolombienne par exemple. Ce n’est qu’après des nombreuses expérimentations dans les différentes pratiques du « craft » qu’elle décide que c’est la céramique qui correspond le mieux à ses aspirations. Elle conçoit la céramique comme une approche globale du monde. « C’est l’archéologie, l’histoire,  la philosophie, la sociologie qui ont donné un sens à mon choix » affirme t elle.

Par un curieux cheminement, c’est au Nigéria qu’elle apprendra à tourner. En effet,  Michaël Cardew l’entraine pendant  trois mois à Abuja la capitale de ce mastodonte de l’Afrique qui a conservé l’héritage de son histoire potière.  Elle est fascinée par  la maitrise que les potières nigérianes ont acquises du tour que venait d’introduire  Cardew. Il s’en suit, au retour,  une période de tournage de faïence tournée blanche. Elle retourne au Kenya en 1975 et se penche sur le façonnage.  

« Je pense avec la terre » affirme Magdelene Odundo . Pour elle, l’argile est un matériau qui suggère par lui-même des pensées philosophiques. La pratique de  la céramique la plonge dans les cultures ancestrales de la planète. Toute sa démarche consiste à intégrer la technique et l’esthétique. Son objectif  « my personale  engagement is to make a very simple version », trouver la forme la plus simple qui capte l’essentiel. Elle recherche aussi la légèreté et, pourquoi pas, une apparence de  fragilité. Le corps est toujours très présent. Elle a vécu dans cette  culture où le corps, souvent scarifié, fait partie des rituels. Elle se souvient d’une femme enceinte dont les attributs dans la coiffure et le vêtement en faisaient une personne à la fois unique et symbolique.

Les pièces sont modelées. Elle repousse la terre. Elles sont cuites au four à gaz entre 960°C et 1060°C au four à gaz. Elles ne reçoivent ni engobe ni émail et la couverte est le résultat de  technique de cuisson. Magdelene Odundo est célèbre pour ses céramiques enfumées. Les pièces sont cuites plusieurs fois, cinq fois pour la pièce noire qui était présentée, alternativement en oxydation et en réduction. Ses pièces sont des contenants. L’artiste kényane y tient. « Le contenant peut donner et recevoir. C’est la conception de l’homme ». Le contenant est un corps. L’humain est un réceptacle. Il renferme un esprit qui peut sortir si on l’appelle. Il peut être constructeur ou destructeur. Ce sont les références de son travail.  

L’intérieur de la jarre noire renferme des picots alignés. Ce sont  les petits cailloux de ses voyages. Le grand vase ocre a été cuit deux fois. Il  peut être vu comme une femme enceinte ou comme un totem. Plusieurs lectures sont possibles. La force des créations de Magdelene Odundo est de s’insérer dans la tradition et de communiquer une grande sensibilité tout en s’affirmant par des formes déjà intemporelles.  

Lawson Oyekan est né Londres en 1961 pendant les études de son père. Sa famille est originaire d’Ibadan au Nigéria où son père l’a ramené peu après sa naissance. Lawson se souvient : « J’ai toujours joué avec  la terre ». La terre a toujours fait partie intégrante de sa vie. Mais il lui a d’abord fallu faire des études de mathématiques appliquées et de chimie. Ce n’est qu’à son retour à Londres en 1983, enfin libéré de la pression familiale, qu’il a pu se livrer à sa passion.

De 1983 à 1989, il apprend le métier, d’abord  au Saint Martin College of Art and  Design puis  au Royal College of Art de Londres. En 1989, il est lauréat de la bourse Darwin.  Puis, il installe son atelier avec le soutien du gouvernement britannique et dès 1991, une de ses œuvres est primée à la biennale de Céramique de Séoul. La grande rupture dans sa carrière est survenue  en 1999 lorsqu’il se rend au Danemark pour une rencontre céramique à Tommerup. Des fours immenses lui donnent  accès à une maitrise technique inédite. Sa vie bascule. Son travail change de dimension. C’est le début de  grands voyages où l’Amérique tiendra bientôt une place importante.